La digitalización de la industria musical

Plataformas de streaming / Lourdes Moreno Cazalla

• Internet ha cambiado drásticamente la forma de hacer música desde su producción hasta su comercialización y distribución

• Las plataformas como Youtube, Spotify y Apple Music han posibilitado a muchos artistas darse a conocer y ganar su público

Con la llegada de Internet, muchos ámbitos de la sociedad han sufrido cambios. El ámbito de la música ha sido uno de los más afectados. Se ha pasado de un modelo donde las grandes discográficas tenían el total control sobre la grabación de las canciones a un modelo mucho más democrático donde cada artista puede compartir su trabajo con el resto del mundo a través de Internet. Las redes sociales solo han reforzado esta globalización de la industria musical donde las reproducciones en streaming son las que generan la mayor parte de los beneficios. Géneros como indie y reggaetón se han aprovechado de esta digitalización para ganar más terreno en el mercado de la música.  

Las plataformas de Spotify, YouTube y Apple Music.

Internet ha cambiado rápidamente la forma de creación musical en todas sus etapas. Asimismo, también ha abaratado los costes de todo el proceso y gracias a la tecnología de hoy en día, la mayoría de las personas se lo pueden permitir. Gracias a las gigantes plataformas como Youtube, Spotify, Apple Music entre muchas otras, muchos artistas han conseguido darse a conocer y ganar un público propio. 

Con respecto al género indie, el internet ha posibilitado aún más que los géneros “marginados” y que no tienen voz en las grandes discográficas puedan dar a conocer su contenido y hacerlo global. Esto a su vez ha llevado a que los artistas que se ven representados por discográficas declaradas independientes, tengan mucha más libertad de creación y toma de decisiones sobre sus obras. Con eso se ha roto el molde de lo que representan y exigen las grandes discográficas, con respecto al control que ejercen sobre el proceso creativo de sus artistas.

Evolución de las discográficas

Las compañías discográficas, sello discográfico o disquera, tiene presencia en la industria musical desde los años 20, en esos momentos estas se introdujeron en la industria como productoras, fabricantes y distribuidoras de discos para los fonógrafos que se usaban en la época y que empezaban a ser muy accesibles para la sociedad. Luego de que la gran depresión que comenzó en 1939 tirara por el suelo los ingresos de estas, la radio pasó a ser un nuevo medio en el que se podía escuchar música gratuita y de mayor calidad. Desde ese entonces es que surgen las grandes compañías discográficas como las conocemos y que empiezan a controlar la mayor parte de la industria musical del mundo luego de ser adquiridas por grandes corporaciones.

Estas empezaron a usar el poder que tenían sobre la difusión del contenido musical en la radio para dar a conocer a bandas y cantantes y volverlos populares a nivel mundial. Para 1973 existían principalmente unos 10 grandes sellos discográficos, como RCA Records, Columbia Records y MCA Records que fueron disminuyendo en número por la desaparición, la unificación y compras de unos a los otros, como fue el caso de MCA en 1998 que se fusionó con Universal Music Group y BMG y Sony que se unificaron en 2004 para formar Sony BMG, de este modo, desde 1973 hasta la actualidad el mercado musical pasó de estar mayormente controlado por 10 discográficas mundiales a estar controlado solo por 3, Sony Music Entertainment, Universal Music Group y Warner Music Group, que controlan actualmente un 60% del mercado musical a nivel global.

Primeras grandes compañías discográficas

Estos grupos rápidamente empezaron a controlar compañías de publicación, grabación y distribución de los contenidos musicales que pasaron a ser distribuidos mediante discos para fonógrafos, a la radio, discos de vinilo, casetes, CDs, la música digital y actualmente del streaming. Lo que demuestra que la industria musical que se centraba en su principios a la venta de vinilos y sobre todos CDs ha tenido una gran y rápida evolución. El disco de vinilo que se usó por primera vez en 1955 pasó de ocupar el 59.8% de las ventas del mercado en 1980 a sólo el 1.3% en 2010. El casete a pasó de un 54,1% en 1988 a desaparecer por completo del mercado. Por otro lado, el CD ha pasado del 95,5% de las ventas para el 2002 al 30% en el 2017 y se prevé que este porcentaje descienda aún más mientras que las ventas digitales y el streaming se hacen cada vez con más cuota de mercado.

Ingresos globales por segmentos de la industria musical (2017)

Por el control que tenía este grupo de disqueras sobre la música que se escuchaba y los géneros a los que se les daba voz, surgen EMI y Atlantic Recording Corporation, otros sellos discográficos denominados “independientes” o “indies”, que buscaban darles voz y reconocimiento a los géneros marginados por “las grandes”, mayormente especializadas en el mercado de música de raza (negra), como el Jazz y el Blues. Estas se mantuvieron esta lógica durante varios años hasta que “las grandes” o “majors” en muchos casos absorbían los mercados que estas lograban controlar, lo que las llevaba a la quiebra y muchas veces se veían obligadas a unificarse con ellos.

Estos sellos independientes, no se basaban en las ventas masivas sino en tener una audiencia pequeña pero leal, a la vez que le daban mucha más libertad artística y de experimentación a los artistas que trabajaban con ellos. En 1970 el movimiento Punk Rock tuvo una gran repercusión en las discográficas independientes, ya que fomentó la creación de éstas y las obligó a buscar métodos de distribución independientes a las grandes compañías, lo que las hizo crecer mientras que a su vez habían más artistas que empezaban su carrera con estas para lograr algo de reconocimiento y así luego pasar a las grandes, como fue el caso de Elvis Presley y Johnny Cash con Sun Records. Este uso de las discográficas independientes como trampolín al reconocimiento o como paso a poder firmar con una “major”, se sigue dando, ejemplo de esto podrían ser Adele que lanzó su exitoso álbum “25” en 2015 con la discográfica independiente XL Recordings y Taylor Swift que lanzó su álbum “1989” en 2014 con Big Machine Records.

Discos de Elvis Presley y Johnny Cash bajo el sello de Sun Records

Internet y redes sociales en la digitalización de la música

La tendencias internacionales y los movimientos más innovadores en la actualidad, son condicionados e influido por el continuo trabajo y ejercicio de los creadores y profesionales encargados del sector urbano, que se ven obligados a trabajar, dividido en dos ideas: la creación artística independiente y los condicionantes y dependencias de la industria musical tradicional. 

Internet ha revolucionado la música urbana y su distribución, ya no es necesario depender de una discográfica para publicitar ni publicar un trabajo realizado. La evolución ha sido extremadamente rápida, desde 2017 ha aumentado un 44% el consumo de la música urbana. Se ha podido comprobar que es el método promocional más exitoso conocido. Internet ha revolucionado el mundo publicitario así como la distribución y propagación de la música en digital, con el fin de encontrar una promoción y un beneficio popular eficaz para el artista y la música propia. 

La Red es un nuevo medio de comunicación donde las oportunidades publicitarias son muy significativas, y especialmente, cuando se trata de un medio de masas con gran posibilidad de audiencia. Pero uno de los mayores problemas al cual se enfrenta la industria en Internet, es la saturación y el plagio. El uso de Internet, las redes sociales y las plataformas virtuales, está incrementándose de una manera muy significativa, y cada año más notablemente en la música urbana. Al seguir aumentando de una forma tan evidente el consumismo y la popularización de este medio, también seguirán aumentando las inversiones en publicidad y marketing.

CTangana en Gran Vía Madrid, España (2017)

La web permite obtener información y entretenimiento interactivo de todo tipo, a gusto del consumidor de una manera oportuna. A su vez, se tiene la oportunidad de guardar la información en redes sociales, y distribuirlas en canales como Spotify, Apple Music o Youtube, añadiendo contenido audiovisual de calidad. En conjunto, estas virtudes, hacen del canal un medio revolucionario que no tienen punto de comparación con los medios tradicionales conocidos anteriormente.

• En general, permiten el acceso las 24 horas del día, 365 días al año sin limitaciones económicas.
• El usuario encuentra gran variedad de producto musical, pudiendo ser contenido elegido a gusto personal. Segmentación de mercados.
• Oportunidades de crear y compartir rápidamente en redes sociales y plataformas sin tener el respaldo de una empresa. 
• Crear un vínculo entre los deseos del oyente. Donde la cercanía es mayor y se pueden dirigir y enviar mensajes a una audiencia concreta con unos intereses específicos.
• Los gastos de distribución son generalmente más bajos que antes, y se puede llegar a millones de personas fácilmente.

El género indie

El término indie hace referencia a la palabra inglesa “independent” que significa independiente. Lo que en un su principio ha empezado como una manera de hacer música, con la aparición de Internet y posteriormente las redes sociales, se ha convertido en un género músical propio que incluso engloba otros subgéneros como indie pop, indie rock, indie folk, entre otros. Desde su inicio, la música indie se caracterizaba por no seguir los gustos masivos además de no convertirse en un producto de grandes discográficas. 

El album “Fuzz Face” de Sex Museum

Aunque es difícil fijar una fecha exacta de cuándo surgió este nuevo género de “música sin etiquetas”, muchos expertos consideran que su nacimiento se remonta hasta los años 80. Uno de los momentos claves del género indie en España es el disco “Fuzz Face” de la banda española Sex Museum, que el propio grupo autopublicó en 1987. Sin embargo, esta nueva corriente al principio iba representada bajo el término de “noise” o “alternativo” lo que dificulta aún más conocer sus fechas exactas.

Otro de los momentos claves que destacan los análisis periodísticos, es la etapa final del movimiento La Movida ya que la corriente independiente apareció como contraria a esta, aunque según el periodista Nando Cruz, su ruptura con lo anterior “fue puramente estética”. De esta manera, posteriormente el término indie rompió con las barreras musicales y se extendió a un estilo de vida que se caracterizaba por la diferenciación del “mainstream”. 

Muchos artistas se han visto atraídos por esta ausencia de límites a la creatividad y toma de decisiones que tan presentes eran en las grandes discográficas. Además, con la aparición de Internet y el rápido desarrollo tecnológico, a muchos artistas se les presentó la oportunidad de grabar su música desde sus propias casas sin necesidad de la intervención de otros agentes intermedios y los grandes costes que suponían. 

Las redes sociales son las que realmente le proporcionaron la fuerza necesaria al género indie y las que son en una parte responsables del éxito que ha supuesto indie en los últimos años. Las plataformas como Youtube, Spotify y Apple Music entre otras consiguieron darle al voz a miles de artistas y su propia visión de la música que no siempre coincide con lo escuchado por las grandes masas. Muchos de estos artistas consiguieron tanta fama y seguidores que acabaron fichados por las grandes discográficas, lo que borró aún más esta línea que les diferenciaba de los géneros “populares” de la industria musical. Y aun así presenta sus dificultades. Para el cantante madrileño St Woods el mayor desafío ha sido “mantener un disco durante dos años y de repente enfrentarse a una carrera de músico profesional”. A pesar de que su EP “On Me” contaba con canciones que escribió hace años cuando se fue a vivir fuera. 

El cantante St. Woods. / Mondo Sonoro

En España entre los grupos que más se destacan en el género indie se encuentran bandas como Love of Lesbian, Sidonie o Deluxe. Son los que han conseguido llegar a los corazones de miles de sus fans a través de una música más simple y directa que encaja para todos. Según Julián Saldarriaga que es la voz y guitarrista de Love of Lesbian, el indie ha cambiado mucho. “Para mí, indie ahora mismo es hacer un disco de 14 temas cuando todo el mundo dice que tienen que ser de 10 temas”, destaca el músico. El grupo comenzó cantando en inglés para llegar a un público mucho más amplio, pero realmente consiguió su reconocimiento cuando empezó a cantar en castellano. Y no es el único, para el grupo madrileño La Juventud, antes conocido como Red Gurd, “las letras salen mucho más sentidas si son en castellano y también al final el público que te escucha es de aquí y se siente más identificado con las canciones”.  

El grupo La Juventud, antes conocido como Red Gurd. / Foto: Ana Romero

Con el crecimiento de la popularidad del género, también se han ido añadiendo cada vez más nuevos estilos que en ocasiones era difícil englobar bajo el mismo término. Solo en 2016, España ya contaba con 300 discográficas independientes que según UFI facturaron poco más de 50 millones de euros, además de un 25% de exportaciones. El género indie se ha convertido en una subcultura con su filosofía propia que trasciende las fronteras musicales.

El género reggaetón

Las raíces del reggaetón se remontan a Puerto Rico en los años 90 cuando los puertorriqueños empezaron a fusionar características y sonidos del hip hop con el reggae.

Este género nació como música underground y trataba temas como la violencia, la brutalidad policial, las injusticias, la pobreza, el racismo, el sexo, al amor, la amistad y las drogas entre otras. Como reacción a las letras de las canciones y los temas que trataban se produjo una ‘censura’, por lo que el género continuó con su difusión de forma clandestina. También los medios de comunicación emprendieron campaña por desprestigiar y desfavorecer algunos cantantes y raperos del género.

Fue en los años 2000, cuando el reggaetón explotó ya a nivel mundial, salió de la clandestinidad y surgieron como líderes de este movimiento cultural artistas como Daddy Yankee, Don Omar y Tego Calderón.

Daddy Yankee antes de su carrera solitaria. / La Zona

A día de hoy algunos de estos artistas siguen cantando e incorporando nuevo ritmos más actuales, estos tres son considerados los representantes de lo que se entiende como “reggaetón antiguo”, que hace referencia al comprendido entre los años 90 a 2010.

Este género es también uno de los más criticados y que más polémicas a causado por el contenido explícito de sus letras, llegando a categorizar su contenido en algunas ocasiones como violento, sexual y machista, relacionándolo así con el bandolerismo y la delincuencia. Estas acepciones tienen como consecuencia que se califique a sus oyentes como “clase baja”. Esta ha sido una de las razones por las que durante mucho tiempo en las radiofórmulas españolas, no se escuchaba este tipo de música a pesar de estar sonando en gran cantidad de clubs y discotecas.

Gracias a la digitalización y el acceso a Internet, el género ha cambiado en varios aspectos: tanto en las letras (ya no son tan explicitas) por lo que su imagen también ha sufrido un cambio, la aparición de nuevos artistas de diferentes países como los colombianos Maluma y J. Balvin y la inclusión de cantantes femeninas como Karol G, Becky G, Natti Natasha o la brasileña Anitta.

Durante los últimos años el reggaetón se ha expandido a gran velocidad gracias a las redes y plataformas streaming como Spotify, Apple Music o Youtube lo que ha facilitado la incorporación y la fusión con nuevos ritmos creando así subgéneros como el trap latino, uno de los más escuchados. Este subgénero tiene como principal referente al cantante Bad Bunny, uno de los artistas con más reproducciones del mundo en streaming.

Bad Bunny en los Latin Grammy de 2020. / GettyImages

Se podría decir que el reggaetón se ha actualizado al contexto de digitalización en el que vive la sociedad en estos momentos y se ha convertido en el estilo musical más escuchado por encima de géneros con mucha más historia como el pop o el rock.

La aparición de Internet ha cambiado la sociedad en muchos aspectos, en el panorama musical hemos visto como gracias a plataformas streaming como Youtube, Spotify y Apple Music muchos artistas se han dado a conocer sin necesidad de tener contrato con una gran discográfica. Gracias a Internet hemos visto como se puede hacer música desde cualquier parte del mundo y llegar a todos los rincones, lo cuál también ha provocado que se fusionen diferentes sonidos creando así con facilidad nuevos géneros musicales.

Gracias a estas plataformas a día de hoy los géneros como el indie o el reggaetón tienen mucha más visibilidad, reproducciones y éxito que respecto a hace unos años.